Messaging through the roots

the now disappeared forest in Ithaki

Was the name of a collective farewell for disappearing forests in the world. We made it at the Akademia Platonos Park in Athens at the beginning of October, after a typhoon swept away a forest I knew recently in the island of Ithaki. This was the invitation I wrote for the occasion:

Messaging through the roots

A friend said to me a while ago that for her the major crisis here is that people have lost the connection with nature. But that is such an old loss, that nobody realizes it, so it can´t be mourned. She also said that Athenians disregard their parks for consider them dirty, and only appreciate nature outside the city.

Then we were locked down and parks became everybody´s meeting point: we pretended to exercise to visit them, walked more often our dogs or wished we had one, and after a few rainy days we reached them as hungry zombies in spite of the possibility of being chased by the police.

Each summer I try to visit new islands and beaches. This year I found my new favorite one, because where I come from, forests and seas never find each other.

Now that forest was swiped by a typhoon and I felt sad, remembering those trees I found magical, but thinking as well as the lost trees in the recent fires in the Amazon, California and Australia.

I wondered how trees are being hurt right now in such different places, and if they communicate their pain through their roots. I wished I could take my friends to that beach in Ithaki and say goodbye to that forest we visited, walking it in silence, touching the remains of its stems and whatever is left of it.

Or we can try to invent a farewell here, in a humble Athenian park. And send a message to the trees we miss thanks to the roots of the ones we can still talk to.

¿Cómo continuar?

Es el nombre de la exposición curada por Violeta Janeiro Alfageme en la que participé durante Setiembre y Octubre, a través de la web del Centro Cultural de España en Perú. Mostré el video “Almohadas para otros sueños”, hecho a partir de la instalación del mismo nombre con almohadas donde bordé a mano el poema “Llamado a algunos doctores” de José María Arguedas.

How to continue?
Online at Centro Cultural de España in Lima – https://exposiciones.ccelima.org/
September 4th – October 11th ,2020.

Participants:
Casa de la Cultura Andina en Madrid
Julia Codesido
Nicola Costantino
Luisa Fuentes Guaza
Tatiana Fuentes Sadowski
Elisa Fuenzalida y Jorge Vicario
Sandra Gamarra
Muriel Holguín
Natalia Iguiñiz
Violeta Janeiro Alfageme
Fernanda Laguna
Eliana Otta
María Ruido
The Underground Division (Helen Pritchard, Femke Snelting, Jara Rocha)
Jorge Villacorta

“How to continue if living has turned into discomfort, disease and challenge? Ecological exploitation, repression and destruction are the three great challenges faced by this question that puts lives at the center without renouncing their singularities.

Every Friday there is a new de-formation of the exhibition. Three to four works appear online, intersecting and getting mixed with other content emerged in conversations with the artists.

The works are not fixed, they can be moved to create short circuits, fortuitous encounters, accompaniments … that is the intention of a collage that is constantly reformulated to destabilize our gaze in the seek of another order, thus dismantling any fixed structure.


“¿Cómo continuar si vivir se ha convertido en malestar, enfermedad y desafío? La explotación, represión y destrucción ecológica, son los tres grandes retos que enfrenta esta pregunta que pone las vidas en el centro sin renunciar a sus singularides.

La exposición funciona desde la reagrupación y disolución de las obras, creando así experiencias a partir del encuentro y la relación de sus contenidos, que incorporan la lenta correspondencia mantenida con las artistas a lo largo de varios meses, proyectándose ésta en forma de imágenes, homenajes, textos y encuentros… que responden a un proceso vivo que incorpora la actual coyuntura.

Creamos un espacio web inestable y cambiante para desestabilizar nuestro punto de vista, procurando un tiempo para pararse y pensar de manera colectiva. ¿Cómo construir o encontrar una posición para que se produzca la reconfiguración de lo humano de acuerdo a las urgencias actuales? Si como dicen, estamos “enfermos de normalidad”, detengamos la realidad para pensar que lo que vivimos podría ser de otra manera.

Hemos puesto el sentido en el sujeto, un sujeto que es medida y centro de todas las cosas, y como tal, impone su identidad, mirando y entendiendo desde su sistema y percepción del mundo, anulando por ende las particularidades y especificidades de los otros. Casi cien años separan las pinturas que se muestran de Julia Codesido y Sandra Gamarra. Ambas artistas, responden a un arte, que lejos de cualquier ensimismamiento, toma posiciones y responde a su contexto. Ambas cuestionan las identidades venidas de occidente, identidades que demarcan un adentro y un afuera que se adapta a sus propios parámetros. Dice la tradición andina (que no personifica el saber en citas), que nunca somos los mismos, crecemos hacia dentro y hacia fuera, y que lo que tenemos delante, es el “ñawpaq pacha”, es decir, el pasado. Tanto Codesido como Gamarra, miran a un pasado, consciente de ser un pasado que como diría la socióloga y activista Silvia Rivera Cusicanqui, no llega a ser subsumido y superado, si no que se mantiene vivo en toda su complejidad.

Si contaminamos nuestras identidades, no podemos separarnos de los otros. Algo así debió ocurrirle a Jose María Arguedas. Para él, la obra indigenista de Codesido, bien podría ser “la obra más peruana y universal de toda la pintura indigenista y al mismo tiempo la del más puro valor estético”. Pero tenía claro que “el pueblo mestizo e indígena tendrá sus intérpretes propios, en la literatura y en música antes que en pintura. Será, un arte multitudinario en el cual el pueblo de ascendencia indígena se encontrará”. Eliana Otta revive uno de los poemas de Arguedas, Llamado a algunos doctores, para abrir paso al deseo que se forja de acuerdo a unas necesidades específicas, que son la insubordinación e irreductibilidad del “otro”, tal y como lo condensa uno de los versos que Eliana bordó sobre una de las fundas de almohada de su instalación: “No huyas de mí, doctor, acércate. Mírame bien, reconóceme. ¿Hasta cuándo he de esperarte?”.

Nicola Costantino reproduce la realidad a través de la performance. Nos la ofrece para su contemplación. La artista argentina le da la vuelta a una escena costumbrista de los años treinta, como es el posado de la “Boda de Don Julio Gadea, prefecto de Cuzco”. Se trata de una fotografía, obra maestra, tomada por Martín Chambi, quien supo resolver una imagen de conjunto con inteligencia a través de sus característicos juegos de luz y perspectiva. Travestir a sus protagonistas, y problematizar al conjunto de acompañantes, rompe con una cotidianidad propia de una sociedad jerarquizada, que responde a los dictados de lo que se consideraba (y se considera) normal. Ese sometimiento que lleva a la enajenación de los individuos, nos conduce a preguntarnos por aquello que queda oculto en la imagen de Chambi y que de alguna manera trasluce Costantino con su re-apropiación de aquella escena.

La obra de María Ruido da cuenta de ese afuera que se disuelve enfermo de normalidad. Una normalidad que homogeneiza y estandariza según los mandatos del último capitalismo que se ha asegurado posiciones en el adentro de todos nosotros, tan adentro que alcanza la subjetividad. “Estado de malestar” explora la capacidad de resistencia y transformación que hay en las “enfermedades” que produce el sistema. Por otro lado, la escritura inmediata, sin apenas una reflexión previa, se nos ofrece como una forma de subversión a cualquier orden preestablecido. La artista Fernanda Laguna, encuentra en su ejercicio la fórmula para salirse de toda lógica y derrotar la razón que impera en cualquier manifestación cultural. Una razón al servicio de los mecanismos de represión y obediencia. Como toda carta dirigida, escrita en el aquí y el ahora de la autora, su lectura traduce una intuición que se alinea con el más puro instinto animal, sopesada por la incertidumbre que caracteriza al ser humano, y que nos acompaña hasta el final de nuestros días.

Puestos a pensar en fórmulas y mecanismos para subvertir el orden, El colectivo The Underground Division, formado por Helen Pritchard, Femke Snelting y Jara Rocha, propone pensarse más allá -y/o más acá- del mundo vegetal y animal, es decir, lo que los expertos catalogan como vivo. El mineral –inerte, según la dicotomía científica–, también siente, o mejor dicho se resiente, padece, se nutre y reproduce (mundos, daños, formas, fuerzas). T.U.D., proponen un viaje literal al subsuelo para descodificar la tierra desde su cara B. Su punto de partida, su unidad mínima, son las piedras. En concreto y para esta exposición, han creado la octava amalgama (así llaman a cada una de las piezas que componen su serie), que consiste en una animación digital en torno al Conga, en la región de Cajamarca, y su proyecto minero de momento paralizado. En palabras de las propias artistas, entienden desde las tecnociencias trans*feministas a las “ROCAS como/con ‘cuerpos’ en un movimiento intencionado de alejamiento de las corpo-realidades somáticas de los individualmente llamados ‘humanos’. Este cambio permite al equipo indagar acerca de las materialidades inhumanas y cómo de importantes son al ‘hacer mundo’.”

Desmembrar la realidad y distinguir sus partes para reproducirlas, es también el método de trabajo de Natalia Iguiñiz, quien estudia y analiza nuestros hábitos y dependencias. Natalia lleva tiempo politizando – desde una perspectiva feminista -, el ámbito de lo íntimo y lo privado, somatizando los trastornos de aquellas políticas que permiten que unos cuerpos se impongan sobre otros. En esta ocasión, hablan cuerpos en confinamiento de mujeres cuyas labores de sustento y crianza se han intensificado por la actual crisis.

El film es la herramienta y medio de análisis en la obra de Tatiana Fuentes Sadowski, cuya mirada se origina en un ejercicio de abrstracción que juega con la distancia del observador. Tatiana amplía los acontecimientos (aparentemente) inútiles, aislando un movimiento o gesto, que ampliado nos lleva a una abstracción que permite la distancia o perspectiva para relacionarse con unos acontecimientos desde la afección que empodera. El duelo y la perdida, se resignifican en su trabajo para iniciar otras formas de aprendizaje y auto-conocimiento.

Las obras que aquí se muestras se originan en plena pandemia, visibilizando unos medios de producción condicionados por las restricciones y el confinamiento que ha desencadenado la COVID-19. Se trata de un proyecto que se articula desde una pregunta, y como tal, se ha originado y gestionado lentamente, de manera muy flexible con los tiempos, estados de ánimo y opiniones de todas las que participamos. ¿Cómo continuar?, en plena pandemia, ha resignificado aquellos trabajos en torno a unas urgencias que la COVID no ha hecho más que visibilizar, todavía más. Al mismo tiempo, esta pregunta de naturaleza reflexiva y disparadora, ha motivado reacciones que han dado pie a nuevas obras. Unas y otras, se problematizan y adquieren otros sentidos de la mano de una serie de documentos y encuentros que contribuyen a ese repensar de nuestros vínculos con los otros, con el otro, así como con las fuerzas que ha desatado nuestra especie, capaz de poner a su servicio los recursos naturales, sin atender a los ritmos circadianos que marcan nuestros ecosistemas. El constante ordenar y desordenar de las obras, se nos presenta como un gesto que crea experiencias desde los encuentros, en un intento por ir más allá de cualquier discurso formal que media y ordena un pensamiento de acuerdo a una estructura.

“Esculpir la rabia para politizar los malestares”
Encuentro en la red / 24 y 29 de septiembre a las 10h en Lima.

“La rabia es una herramienta legítima de denuncia ante las situaciones de opresión sistémica que vivimos. Un motor que activa la necesidad de narrar las desventajas y desprivilegios que nos atraviesan como parte de nuestro derecho fundamental a la movilización de los malestares como cuerpos que devenimos un acumulado histórico de negación y devaluación. Esculpir la rabia propone identificar focos de lucha inconclusos, antes de esta explosión vírica, que están anclados en nuestras experiencia encarnada que tenemos que seguir politizando al máximo para que no se disuelven en este nuevo escenario vital pandémico. ¿Cuales son los focos de las lucha reproductivas que no podemos dejar de empujar para evitar la intensificación de las explotaciones totalmente normalizadas sobre los cuerpos maternos?.

Tutelan los dos encuentros: Natalia Iguiñiz (artista plástica, docente y activista política peruana. En sus intervenciones en espacios públicos trató los temas de identidad de género, feminismo, derechos humanos y maternidad) y Luisa Fuentes Guaza (investigadora independiente sobre procesos de emancipación y desprendimiento en la práctica artística y curatorial, con especial atención a los activados desde Centro América. Además, es activista por una maternidad emancipada).

¿De dónde viene y hacia donde va el malestar?
Encuentro en la red / 7 de octubre a las 10h en Lima

La Covid-19 incrementa la brecha social y se ceba con los sectores más vulnerables. Organizamos un encuentro online para la reflexión y el análisis de la nueva cuestión social: el malestar y sus consecuentes patologías en los contextos de Argentina, España y Perú. Participan: María Ruido (Artista visual, investigadora y productora cultural en Madrid), Fernanda Laguna (artista visual, escritora, editora y curadora en Buenos Aires), y Jorge Villacorta (curador , crítico de arte con formación en genética en Lima)

Cada viernes se produce una nueva de-formación de la exposición. En línea aparecen tres o cuatro obras, que se cruzan y mezclan con otros contenidos que surgieron en conversación con las artistas.

Las obras no están fijas, se mueven para crear cortocircuitos, encuentros fortuitos, acompañamientos… esa es la intención del collage que se reformula constantemente para desestabilizar la mirada y procurar otro orden, desarticulando así cualquier estructura fija.

Misterio de Ministerias

“Este texto colectivo es resultado de una invitación realizada a poco de iniciarse la cuarentena, en abril. Escribí un correo a un grupo amplio de artistas, poetas, madres de familia, científicxs sociales, científicxs que estudian la vida no humana, arquitectxs, educadores, filósofxs, entre otrxs, para preguntarnos cómo reorganizar el estado peruano y sus ministerios, a manera de cadáver exquisito.

La proposición surgió de constatar cómo la presente situación, entre muchas cosas, nos demanda repensar el Estado, nuestra posición ante él y sus estructuras. Por mucho tiempo hemos creado, trabajado y participado de diversos tipos de activismo dándole la espalda o sin tomarlo en serio. Motivos para ello sobran en el caso peruano, pero es claro que la coyuntura actual nos llama a atender cuidadosamente las consecuencias de sus formas de ejercer y administrar la (bio y la necro) política…”

Para seguir leyendo, puedes descargar la publicación:

Diaries, chronicles and conversations in a struggling city at State of Concept – Athens

On July the 2nd I presented this talk at State of Concept:

This (semi) collective lecture connects attempts to put into words how experiences of loss, resistance, and desire affect political subjectivities and communities in the context of Athens. It includes texts, images, and fragments of conversations that are part of a work in process, the research project Lost and shared: A laboratory for collective mourning, towards affective and transformative politics (working title).

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H περουβιανή εικαστικός Eliana Otta, παρουσιάζει την έρευνα της μέσα από μια διαδραστική περφόρμανς.
H περφορμανς θα ξεκινήσει στις 18.30 και παρακαλούμε να κάνετε κράτηση στο info@stateofconcept.org λόγω περιορισμού θέσεων.Αυτή η (ημι) συλλογική διάλεξη συνδέει τις προσπάθειες να περιγράψουμε πώς οι εμπειρίες της απώλειας, της αντίστασης και της επιθυμίας επηρεάζουν τις πολιτικές υποκειμενικότητες και τις κοινότητες στο πλαίσιο της Αθήνας. Περιλαμβάνει κείμενα, εικόνες και θραύσματα συνομιλιών που αποτελούν μέρος ενός έργου σε διαδικασία, το ερευνητικό έργο Lost and shared: Ένα εργαστήριο συλλογικού πένθους, προς μια συναισθηματική και μεταμορφωτική πολιτική (τίτλος εργασίας).

Manual Meditations at PS-Athens

Manual Meditations was an exhibition I curated for PS space at the beginning of July. Here is the curatorial text with its translation in Greek:

Manual meditations
During the quarantine, we found ourselves experiencing new, old or renewed habits under a new light. Certain activities suddenly stood out by being capable of sustaining us and giving us comfort in days of confusion, hyper connectivity and secluded loneliness. Some cleaned the closet and started growing plants, some deepened our relationship with embroidering as a means to inhabit a suspended notion of time. The monotonous gestures of fingers and hands could be easily mirrored by a mind softly in motion, active but in a trance like state, away from concerns and distractions.

If some of us feel that we don’t want to go back to normality, because as it had been said lately, normality was the problem, manual labor reminds us a passing of time in the antipodes of the imposed dynamics of production and consumption. Likewise, stop motion functions according to the logic of adding small actions that can seem endless until a result is revealed. Almost magically, the humble act of repetition allows the appearance of a new creature or world. And then we can start again.

According to Petros Lolis: “threads start weaving together, when we touch and electricity blows us away for a second it is as if we hit the restart button. We both get up and start dancing in the middle of what could be called a room. This is not some romantic love story, it is a relationship of molecules recreating nonlife.”

A while ago, Eliana Otta began embroidering a poem by Peruvian author José María Arguedas, to try to learn it by heart, with the help of her hands. She chose to do it on pillow cases, dedicating them to reinvigorated dreams to come. In the process the task seemed infinite. Until the quarantine allowed her to complete it.

For Stavroula Papadaki, sewing is like drawing or painting with a needle. Figures and faces usually appear spontaneously. Her technique is not the orthodox technique of embroidery and she considers it surrealistic.

Angel Torticollis is an artist who has just started embroidery. With a past in fashion and textiles, he also does drag as Kangela Tromokratisch. All his work is self-referential, it starts and ends with him/her.

When Gregoria Vryttia works, her mind goes through two processes. On the first stage she is very concentrated, trying to make important decisions about how the piece will look. On the second one, the hands can function without the engagement of the brain, and thoughts pass by like clouds. She enjoys embroidering on old clothes or handiwork, paying homage to the previous woman who worked on them.

Maaike Stutterheim: Variations on flower #4

Χειρονακτικός διαλογισμός


Επιμέλεια: Ελιάνα ΟττάΚατά την διάρκεια της Καραντίνας, βιώσαμε τις νέες, παλιές ή ανανεωμένες συνήθιες μέσα από ένα νέο πρίσμα. Κάποιες δραστηριότητες επικράτησαν επειδή μας προσέφεραν υποστίρηξη και ανακούφιση στις μέρες που ήταν συγχυσμένες, που επιθυμούσαμε περισσότερη επικοινωνία και στην μοναξιά της απομόνωσης. Κάποιοι από εμάς καθάρησαν τα ντουλάπια και φρόντισαν τα φυτά, ενώ άλλοι αφιερώθηκαν σε ασχολίες όπως το κέντημα, με σκοπό να γεμίσει η ροή του χρόνου που φαινομενικά είχε σταματήσει. Οι επαναλαμβανόμενες κινησεις των δακτύλων και των χεριών, εύκολα αντανακλούν την σκέψη που κινείται αργά, με το μυαλό ενεργό αλλά σε κατάσταση έκστασης, απομακρυσμένο από έγνοιες και περισπασμούς.Εάν κάποιοι αισθανόμαστε πως δεν θέλουμε να επιστρέψουμε στην κανονικότητα, γιατί όπως έχει ειπωθεί αρκετές φορές, πρόσφατα, η κανονικότητα ήταν το πρόβλημα, η χειρονακτική εργασία μας υπενθυμίζει πως είναι δυνατόν ο χρόνος να περνάει με έναν τρόπο που βρίσκεται στον αντίποδα της προσταγής του δυναμικού διπόλου της υπερ-παραγωγής και υπερ-κατανάλωσης. Αντίστοιχα είναι η λογική των αργών διαδικασιών παραγωγής που αποκαλύπτονται μέσα από μικρές κινήσεις, όπου αρχικά φαίνονται ατελίωτες, ώσπου να φανεί το αποτέλεσμα του συνόλου τους. Σχεδόν υπερφυσικά, η απλή πράξη της επανάληψης επιτρέπει την δημιουργία μίας νέας καταχώρησης, ενός νέου πλάσματος ή κόσμου. Κι από εκεί ξαναξεκινάμε.Πέτρος Λόλης: “ανθρωπομορφικη απουσία ζωης
κλωστες ξεκινουν να υφαινουν μαζι, οταν αγγιζόμαστε και ηλεκτρισμός μας τιναζει μακριά για ενα δευτερόλεπτο ειναι σαν να χτυπάμε το κουμπί της επανεκκινησης. Και οι δυο σηκωνόμαστε και ξεκινάμε να χορεύουμε μαζι, στη μέση αυτου που θα μπορούσε να ονομαστεί δωμάτιο. Αυτη δεν είναι καποια ρομαντική ιστορία αγάπης, είναι μία σχέση κυττάρων που επαναδημιουργει απουσία ζωης. Χυμένο νερό πάνω σε τσιμέντο, αφηγειται μια ιστορία που θα τελειώσει μόλις ολοκληρωθεί η εξάτμιση του. Αυτή δεν είναι κάποια βιβλική αποκάλυψη, είναι μια σχέση κυττάρων που αποδημιουργεί ζωη. Αυτο είναι \αυτο που ειναι/ αυτο που λεω οτι ειναι. Η ανθρωπομορφική μου απουσία ζωης.”
Ελιάνα Οττά: Εδώ και καιρό η Ελιάνα ξεκίνησε και κεντάει ένα ποίημα από την Περουβιανή συγγραφέα José María Arguedas, με σκοπό να το μάθει απ’έξω με την βοήθεια των χεριών της. Επέλεξε να τα κεντήσει σε μαξιλαροθήκες, αφιερώνοντάς τις στην ζωντάνια των επερχόμενων ονείρων. Στην πορεία η εργασία φαινόταν ατελείωτη, ώσπου η καραντίνα της επέτρεψε να το ολοκληρώσει.Σταυρούλα Παπαδάκη: Για την Σταυρούλα το ράψιμο είναι σαν το σχέδιο και την ζωγραφική αλλά το μέσω είναι η βελόνα. Οι φιγούρες και τα πρόσωπα εμφανίζονται αυτόματα. Η τεχνική της είναι ανορθόδοξη και την θεωρεί σουρρεαλιστική.Άγγελος Τορτίκωλης: Για τον Άγγελο το κέντημα είναι νέα ασχολία. Προέρχεται από το περιβάλλον της μόδας και των υφασμάτων και έχει μια drag περσόνα, την Κανγκέλα Τρομοκρατίς. Όλη του η δουλειά είναι αυτοαναφορική και ξεκινάει και τελειώνει με αυτόν/αυτήν.Γρηγορία Βρυττιά: Κατά την δημιουργική διαδικασία η Γρηγορία περνάει από δύο διανοητικές διαδικασίες:
Στο πρώτο στάδιο είναι πολύ συγκεντρωμένη, προσπαθώντας να λάβει σημαντικές αποφάσεις σχετικά με το πώς θα φαίνεται το κομμάτι. Στο δεύτερο, τα χέρια μπορούν να λειτουργήσουν χωρίς τη δέσμευση του εγκεφάλου και οι σκέψεις περνούν σαν σύννεφα. Απολαμβάνει το κέντημα σε παλιά ρούχα ή χειροτεχνήματα, αποτίοντας φόρο τιμής στην προηγούμενη γυναίκα που εργάστηκε σε αυτά.
Maaike Stutterheim: Variations on flower #4

Wording the trouble / Formulando el problema

Wording the trouble. Imaginaries of transformation amidst social and ecological challenges.

Chile - el tiempo

(Foto tomada del periódico El Tiempo, de Chile)

Is a new collective project I´m part of. This initiative is based on an ongoing collaboration between four artists with overlapping concerns and approaches. From the invitation to participate in the festival SOHO in Ottakring: 2020 “Wie Meinen?”, we decided to document the paths and the conversations that led us to develop the exhibited projects. Our concerns revolve around how the criminalization of protest, and the increase in social discontent are symptoms of the civilizational crisis built on the basis of the exploitation of nature.

This blog tries to collaborate in reading the complex panorama of conflict and recent Latin American mobilization, since we consider that at the center of the demands of its inhabitants there is a strong criticism of the capitalist system that profits by destroying life in all its forms, oppresses bodies and subjectivities, extinguishing ancestral knowledge and forms of relationship that offer alternatives to the necessary transformations of the planet. This is a project by artists Imayna CáceresAlfredo LedesmaEliana Otta and Hansel Sato, Peruvians living in Vienna.


Formulando el problema. Imaginarios de transformación / desafíos sociales y ecológicos

Esta iniciativa parte de una colaboración continua entre cuatro artistas con inquietudes y enfoques que se entrecruzan. A partir de la invitación a participar en el festival SOHO in Ottakring: 202 Wie Meinen? (¿Qué opinas?, ¿cómo opinar?), decidimos documentar los caminos, las conversaciones que nos llevaron a desarrollar los proyectos exhibidos. Nuestras preocupaciones giran en torno a cómo la criminalización de la protesta, y el incremento del descontento social son síntomas de la crisis civilizatoria construida sobre la base de la explotación de la naturaleza.

Este blog intenta colaborar a leer el complejo panorama de la conflictividad y la movilización latinoamericana reciente, pues consideramos que en el centro de las demandas de sus habitantes hay una fuerte crítica al sistema capitalista que lucra destruyendo la vida en todas sus formas, oprime los cuerpos y las subjetividades, extinguiendo saberes ancestrales y formas de relacionarse que ofrecen alternativas a las transformaciones necesarias para el planeta.

Este es un proyecto de las artistas Imayna CáceresAlfredo LedesmaEliana Otta y Hansel Sato, peruanas viviendo en Viena.

To look after a stranger´s urge

Screen Shot 2020-06-16 at 11.37.20 AM

Was a workshop I made in the context of the art festival SOHO in Ottakring, with the accompaniment of Hansel Sato and the participation of his students from the Academy of Fine Arts, Vienna. In this workshop we explored what feels urgent today and how we can express it. We tried to address questions such as: How do we put in words what we would like to change, that which causes our indignation? How do we verbalize a very intimate desire or dream, which we don’t dare to reveal? And mainly, how do we relate to someone else’s ideas or hopes for transformation? How do we hear and perceive urgencies that are not our own? Could we pay close attention to them? Could we even take care of them for a while?

This was a moment for us to concentrate in each other’s ways of expressing, for us to look after a demand which is not our own. To observe what can occur when we do so, with ourselves and with others. We created slogans for protests that don’t exist yet and made collective posters after working on each other’s words.

All the info about it, with downloadable files to print as posters, can be found here.

Una “conversación” en la Bienal de Mercosur

En este link se puede ver la conversación que sostuvieron en el marco del LIVE del programa educativo, Dorota Biczel, una de las curadoras de la Bienal de Mercosur de este año, y Natalia Iguíñiz. Yo participé con una carta transformada en video para la ocasión, pues por la diferencia horaria y la mala conexión del lugar donde me encontraba, no pude estar en línea.

Screen Shot 2020-06-23 at 4.50.02 PM

Dibujos por la Amazonía / Drawings for the Amazon

Screen Shot 2020-06-02 at 1.12.56 PM

Durante el mes de mayo organizamos, junto a un equipo increíble de amigxs artistas, curadores, comunicadores, diseñadores y mil oficios, la campaña Dibujos por la Amazonía. Más de 400 artistas donaron cerca de 500 dibujos, para recaudar fondos para el Vicariato Apostólico de Iquitos, Radio Ucamara y la Asociación Indígena Coshikox de Ucayali, instituciones que juegan un rol fundamental ante el avance del COVID-19 en la Amazonía Peruana.

Hasta la fecha los dibujos han sido vendidos casi en su totalidad. Se puede donar hasta el día de mañana, pero en adelante, si deseas colaborar, puedes comunicarte directamente con esas u otras organizaciones en la región. La situación probablemente dure y requiera de nuestra organización y solidaridad más adelante nuevamente.


During May, we organized, with an amazing group of artists, curators, communicators, designers and more, the campaign Drawings for the Amazon. More than 400 artists donated almost 500 drawings, to gather funds for the Apostolic Vicariate of Iquitos, Ucamara Radio and the Indigenous Asociation Coshikox, from Ucayali, institutions playing a major role against the spread of COVID-19 in the Peruvian Amazon.

The drawings have been almost sold out until now. It is possible to donate until tomorrow, but after that, if you wish to collaborate, you can communicate directly with those or other organizations in the region. The situation probably will last and require from our organization and solidarity again.

 

Palabras de Mujeres en la Bienal do Mercosur (Online)

Un poco tarde comparto la noticia de mi participación en la Bienal de Mercosur, versión online, que ha sido curada por Andrea Giunta y Dorota Biczel. Esta edición, llamada Femininos, Visualidades, Afetos, cuenta con artistas con un trabajo muy valioso siempre, pero probablemente más en estos momentos, como Cecilia Vicuña, Ana Gallardo, Jota Mombaca, y otras…

Yo participo con mis piezas de la instalación Carmen y con el video Palabras de Mujeres, que puede verse completo en línea.


A bit late I share the news of my participation in the Bienal de Mercosur, online, curated by Andrea Giunta and Dorota Biczel. This edition, called Femininos, Visualidades, Afetos, includes artists whose work is always extremely valuable, but probably more in the present times, such as Cecilia Vicuña, Ana Gallardo, Jota Mombaca, among others…

I participate with my pieces from the installation Carmen and the video Palabras de Mujeres (Women´s words), which can be seen online in this link.