Vicarious fragile pilgrims disappearing in Goodbye world!

On view on
An Ice Floe in the Bay of Bothnia, Swedish Lapland: 
February 14 – Until the ice melts

Vicarious fragile pilgrims, my work in Goodbye world! curated by Andreas Templin and Raimar Stange, which “opened” in February 14.

Embodied in paper, loyal pilgrims left Peru to reach the ice and disappear with it, honoring the Qoyllur R’iti pilgrimage, which didn’t occur in 2020 due to Covid-19, and which is progressively affected by the melting of the glaciers. Qoyllur R’iti (“bright white snow” in Quechua—a language Indigenous to the Peruvian Andes) is a syncretic religious festival held annually in the highlands of Cusco, where people celebrate the appearance of the Pleiades constellation in dedication to their harvests and the regeneration of life.

The Arts bid Farewell
Record high temperatures in the Arctic, rising sea levels, and erosion of rainforests leave no doubt: in the face of climate change, we risk saying goodbye to countless species of plants and animals, to islands and waterfront cities, and tragically to millions of people facing food insecurity from heat waves and droughts.

In the midst of this catastrophe, contemporary art is saying farewell, too. Goodbye, World brings eco-friendly works by internationally-renowned artists to an ice floe in Arctic Sweden where they will remain until the ice melts and the artworks sink to the ocean floor. The project not only reacts to the consequences of global warming, it tentatively aligns itself with these outcomes and conceptually applies them in its presentation.

The disappearance of art critiques an art industry that has been overly focused on the production and lucrative sales of works, while dealing in continuous visibility as a basis for commercial success. It is for this reason that Goodbye, World presents a scenario in which valuable works of art are ‘sunk’ and removed from circulation indefinitely.

Special thanks to Hanna Isaksson, Resurscentrum för Konst – Region Norrbotten, and to Eric, Susanne, and Shane at Luleå Archipelago Adventures.

Exhibition photography and videography: Sean Smuda, with additional photography by Andreas Templin.
Drone operator: Shane Doolin.


Andreas Templin practices art in a multivariate approach, which expresses in sculpture, photography, installations, urban interventions and sound art. He holds an MFA from Sandberg Institute Amsterdam and lives and works in Berlin.

Raimar Stange studied philosophy, German, and journalism in Hanover. He works as a freelance art journalist and curator in Berlin. Stange is published in magazines such as Kunst-Bulletin Zurich, art-agenda.com, Camera Austria Graz and Artist Bremen. He is currently curating exhibitions on topics such as climate change and right-wing populism.

¡¡Salió “Lucía tiene calle”!!

Anuncio del libro en la web de la editorial

Muy contenta con la publicación de mi libro infantil, “Lucía tiene calle”, editado por Pesopluma. Es un libro que dibujé y escribí hace diez años, y que ahora sale con algunas ilustraciones nuevas, justo cuando necesitamos repensar nuestra relación con el espacio público. Inmejorable y desafiante momento, al que el libro espera poder contribuir de alguna manera. El libro se puede comprar en este enlace y hay entrega por delivery. También puede comprarse en las librerías limeñas El Virrey, Babel, buensalvaje, entre otras.

Mariana Alva Flores y Daniel Farfán hicieron este bello video promocional:

Lima en escena ha publicado una bonita entrevista al respecto, que puede leerse aquí, de la cual saco esta captura de pantalla:

Y el periódico El Comercio también publicó una nota muy bonita, que puede leerse acá, incluyendo estas imágenes:

Vocabulario Vital en Ecoversities

Vocabulario Vital, publicación digital por encargo de Ecoversities, fue publicado digitalmente en diciembre de 2020. Con contribuciones de: Virginie Bobin, Imayna Cáceres, Gene Ray, Tabita Rezaire, Cecilia Vicuña, Tilsa Otta, entre otrxs mágicos seres.

“Vocabulario Vital surge de una necesidad, al reconocer la insuficiencia de los lenguajes disponibles para referirnos a lo que nos es significativo en tiempos de incertidumbre extrema…tiempos en los que parecen faltarnos palabras para expresar apropiadamente la profundidad de nuestra confusión y dolor, así como para articular lo que se atreve a aparecer como esperanza o incluso como sueños. Este Vocabulario Vital responde también a cómo este tiempo refuerza nuestras intuiciones sobre la necesidad de cambiarlo todo. Incluso si a veces lo que podemos hacer es cambiar una letra, una entonación, un acuerdo sobre lo que una palabra puede hacer.” (Fragmento de la introducción)

¡Descárgalo aquí!

Vital Vocabulary, digital publication commissioned by Ecoversities, was launched in December, 2020. With contributions by: Virginie Bobin, Imayna Cáceres, Gene Ray, Tabita Rezaire, Cecilia Vicuña, Tilsa Otta, among other magical beings.

“Vital Vocabulary comes out of necessity, as we acknowledge the insufficiency of available language to address what is meaningful in times of extreme uncertainty . . . times when we seem to lack words to properly express the depth of our confusion and pain, as well as to articulate what dares to appear as hope, even dreams. Vital Vocabulary considers how these times reinforce our intuitions regarding the need for sweeping change. Even if sometimes all we can do is transform a letter, an intonation, or an agreement on what a word can do.” (Excerpt from the introduction)

¡Download it here!

Dejo este cuerpo ahí

Es la exposición individual de Natalia Iguíñiz que curé para Vigil Gonzáles galería, en Lima. La exposición felizmente está recibiendo una amplia y merecida cobertura, como puede verse en esta entrevista, este artículo y este otro artículo.

Reproduzco el texto que escribí para la muestra:

Un cuerpo ahí

¿De quién es ese cuerpo tirado en medio de la calle?

¿De quién es esa pierna que observo al cruzar la pista?

¿De quién ese rostro carente de expresión?

¿Qué le impide abrir los ojos y mirarme?

¿Será el cansancio,

el dolor,

la impotencia,

el trauma,

la violencia,

la desesperanza?

La mujer anónima,

¿sufre en silencio?

¿descansa tranquilamente?

¿recobra fuerzas?

¿recuerda penas?

¿duerme y sueña?

¿ha olvidado cómo moverse?

¿no se decide a incorporarse?

¿espera que la despierten?

¿no siente sus partes?

¿las siente intensamente?

¿intenta recuperarse?

¿de ejercicio extremo?

¿de placer indescriptible?

¿de una enfermedad implacable?

¿del maltrato cotidiano?

¿de una violación, un golpe, un grito?

¿de sentirse explotada, agredida, amenazada?

¿o callada piensa?

¿imagina, idea?

¿dibuja en su mente?

¿un plan, una ruta?

¿un escape, una coraza?

¿recrea una caricia?

¿evoca ternura?

¿se reconcilia en silencio?

¿con ella misma, con otros?

¿escucha sus latidos?

¿percibe su respiración?

¿se fusiona con el mundo?

¿disuelta en el aire?

¿flotando en el mar?

¿vislumbra un final?

¿quizá algún comienzo?

¿sobrevive en tu mirada?

¿se levantará mañana?

Messaging through the roots

the now disappeared forest in Ithaki

Was the name of a collective farewell for disappearing forests in the world. We made it at the Akademia Platonos Park in Athens at the beginning of October, after a typhoon swept away a forest I knew recently in the island of Ithaki. This was the invitation I wrote for the occasion:

Messaging through the roots

A friend said to me a while ago that for her the major crisis here is that people have lost the connection with nature. But that is such an old loss, that nobody realizes it, so it can´t be mourned. She also said that Athenians disregard their parks for consider them dirty, and only appreciate nature outside the city.

Then we were locked down and parks became everybody´s meeting point: we pretended to exercise to visit them, walked more often our dogs or wished we had one, and after a few rainy days we reached them as hungry zombies in spite of the possibility of being chased by the police.

Each summer I try to visit new islands and beaches. This year I found my new favorite one, because where I come from, forests and seas never find each other.

Now that forest was swiped by a typhoon and I felt sad, remembering those trees I found magical, but thinking as well as the lost trees in the recent fires in the Amazon, California and Australia.

I wondered how trees are being hurt right now in such different places, and if they communicate their pain through their roots. I wished I could take my friends to that beach in Ithaki and say goodbye to that forest we visited, walking it in silence, touching the remains of its stems and whatever is left of it.

Or we can try to invent a farewell here, in a humble Athenian park. And send a message to the trees we miss thanks to the roots of the ones we can still talk to.

¿Cómo continuar?

Es el nombre de la exposición curada por Violeta Janeiro Alfageme en la que participé durante Setiembre y Octubre, a través de la web del Centro Cultural de España en Perú. Mostré el video “Almohadas para otros sueños”, hecho a partir de la instalación del mismo nombre con almohadas donde bordé a mano el poema “Llamado a algunos doctores” de José María Arguedas.

How to continue?
Online at Centro Cultural de España in Lima – https://exposiciones.ccelima.org/
September 4th – October 11th ,2020.

Participants:
Casa de la Cultura Andina en Madrid
Julia Codesido
Nicola Costantino
Luisa Fuentes Guaza
Tatiana Fuentes Sadowski
Elisa Fuenzalida y Jorge Vicario
Sandra Gamarra
Muriel Holguín
Natalia Iguiñiz
Violeta Janeiro Alfageme
Fernanda Laguna
Eliana Otta
María Ruido
The Underground Division (Helen Pritchard, Femke Snelting, Jara Rocha)
Jorge Villacorta

“How to continue if living has turned into discomfort, disease and challenge? Ecological exploitation, repression and destruction are the three great challenges faced by this question that puts lives at the center without renouncing their singularities.

Every Friday there is a new de-formation of the exhibition. Three to four works appear online, intersecting and getting mixed with other content emerged in conversations with the artists.

The works are not fixed, they can be moved to create short circuits, fortuitous encounters, accompaniments … that is the intention of a collage that is constantly reformulated to destabilize our gaze in the seek of another order, thus dismantling any fixed structure.


“¿Cómo continuar si vivir se ha convertido en malestar, enfermedad y desafío? La explotación, represión y destrucción ecológica, son los tres grandes retos que enfrenta esta pregunta que pone las vidas en el centro sin renunciar a sus singularides.

La exposición funciona desde la reagrupación y disolución de las obras, creando así experiencias a partir del encuentro y la relación de sus contenidos, que incorporan la lenta correspondencia mantenida con las artistas a lo largo de varios meses, proyectándose ésta en forma de imágenes, homenajes, textos y encuentros… que responden a un proceso vivo que incorpora la actual coyuntura.

Creamos un espacio web inestable y cambiante para desestabilizar nuestro punto de vista, procurando un tiempo para pararse y pensar de manera colectiva. ¿Cómo construir o encontrar una posición para que se produzca la reconfiguración de lo humano de acuerdo a las urgencias actuales? Si como dicen, estamos “enfermos de normalidad”, detengamos la realidad para pensar que lo que vivimos podría ser de otra manera.

Hemos puesto el sentido en el sujeto, un sujeto que es medida y centro de todas las cosas, y como tal, impone su identidad, mirando y entendiendo desde su sistema y percepción del mundo, anulando por ende las particularidades y especificidades de los otros. Casi cien años separan las pinturas que se muestran de Julia Codesido y Sandra Gamarra. Ambas artistas, responden a un arte, que lejos de cualquier ensimismamiento, toma posiciones y responde a su contexto. Ambas cuestionan las identidades venidas de occidente, identidades que demarcan un adentro y un afuera que se adapta a sus propios parámetros. Dice la tradición andina (que no personifica el saber en citas), que nunca somos los mismos, crecemos hacia dentro y hacia fuera, y que lo que tenemos delante, es el “ñawpaq pacha”, es decir, el pasado. Tanto Codesido como Gamarra, miran a un pasado, consciente de ser un pasado que como diría la socióloga y activista Silvia Rivera Cusicanqui, no llega a ser subsumido y superado, si no que se mantiene vivo en toda su complejidad.

Si contaminamos nuestras identidades, no podemos separarnos de los otros. Algo así debió ocurrirle a Jose María Arguedas. Para él, la obra indigenista de Codesido, bien podría ser “la obra más peruana y universal de toda la pintura indigenista y al mismo tiempo la del más puro valor estético”. Pero tenía claro que “el pueblo mestizo e indígena tendrá sus intérpretes propios, en la literatura y en música antes que en pintura. Será, un arte multitudinario en el cual el pueblo de ascendencia indígena se encontrará”. Eliana Otta revive uno de los poemas de Arguedas, Llamado a algunos doctores, para abrir paso al deseo que se forja de acuerdo a unas necesidades específicas, que son la insubordinación e irreductibilidad del “otro”, tal y como lo condensa uno de los versos que Eliana bordó sobre una de las fundas de almohada de su instalación: “No huyas de mí, doctor, acércate. Mírame bien, reconóceme. ¿Hasta cuándo he de esperarte?”.

Nicola Costantino reproduce la realidad a través de la performance. Nos la ofrece para su contemplación. La artista argentina le da la vuelta a una escena costumbrista de los años treinta, como es el posado de la “Boda de Don Julio Gadea, prefecto de Cuzco”. Se trata de una fotografía, obra maestra, tomada por Martín Chambi, quien supo resolver una imagen de conjunto con inteligencia a través de sus característicos juegos de luz y perspectiva. Travestir a sus protagonistas, y problematizar al conjunto de acompañantes, rompe con una cotidianidad propia de una sociedad jerarquizada, que responde a los dictados de lo que se consideraba (y se considera) normal. Ese sometimiento que lleva a la enajenación de los individuos, nos conduce a preguntarnos por aquello que queda oculto en la imagen de Chambi y que de alguna manera trasluce Costantino con su re-apropiación de aquella escena.

La obra de María Ruido da cuenta de ese afuera que se disuelve enfermo de normalidad. Una normalidad que homogeneiza y estandariza según los mandatos del último capitalismo que se ha asegurado posiciones en el adentro de todos nosotros, tan adentro que alcanza la subjetividad. “Estado de malestar” explora la capacidad de resistencia y transformación que hay en las “enfermedades” que produce el sistema. Por otro lado, la escritura inmediata, sin apenas una reflexión previa, se nos ofrece como una forma de subversión a cualquier orden preestablecido. La artista Fernanda Laguna, encuentra en su ejercicio la fórmula para salirse de toda lógica y derrotar la razón que impera en cualquier manifestación cultural. Una razón al servicio de los mecanismos de represión y obediencia. Como toda carta dirigida, escrita en el aquí y el ahora de la autora, su lectura traduce una intuición que se alinea con el más puro instinto animal, sopesada por la incertidumbre que caracteriza al ser humano, y que nos acompaña hasta el final de nuestros días.

Puestos a pensar en fórmulas y mecanismos para subvertir el orden, El colectivo The Underground Division, formado por Helen Pritchard, Femke Snelting y Jara Rocha, propone pensarse más allá -y/o más acá- del mundo vegetal y animal, es decir, lo que los expertos catalogan como vivo. El mineral –inerte, según la dicotomía científica–, también siente, o mejor dicho se resiente, padece, se nutre y reproduce (mundos, daños, formas, fuerzas). T.U.D., proponen un viaje literal al subsuelo para descodificar la tierra desde su cara B. Su punto de partida, su unidad mínima, son las piedras. En concreto y para esta exposición, han creado la octava amalgama (así llaman a cada una de las piezas que componen su serie), que consiste en una animación digital en torno al Conga, en la región de Cajamarca, y su proyecto minero de momento paralizado. En palabras de las propias artistas, entienden desde las tecnociencias trans*feministas a las “ROCAS como/con ‘cuerpos’ en un movimiento intencionado de alejamiento de las corpo-realidades somáticas de los individualmente llamados ‘humanos’. Este cambio permite al equipo indagar acerca de las materialidades inhumanas y cómo de importantes son al ‘hacer mundo’.”

Desmembrar la realidad y distinguir sus partes para reproducirlas, es también el método de trabajo de Natalia Iguiñiz, quien estudia y analiza nuestros hábitos y dependencias. Natalia lleva tiempo politizando – desde una perspectiva feminista -, el ámbito de lo íntimo y lo privado, somatizando los trastornos de aquellas políticas que permiten que unos cuerpos se impongan sobre otros. En esta ocasión, hablan cuerpos en confinamiento de mujeres cuyas labores de sustento y crianza se han intensificado por la actual crisis.

El film es la herramienta y medio de análisis en la obra de Tatiana Fuentes Sadowski, cuya mirada se origina en un ejercicio de abrstracción que juega con la distancia del observador. Tatiana amplía los acontecimientos (aparentemente) inútiles, aislando un movimiento o gesto, que ampliado nos lleva a una abstracción que permite la distancia o perspectiva para relacionarse con unos acontecimientos desde la afección que empodera. El duelo y la perdida, se resignifican en su trabajo para iniciar otras formas de aprendizaje y auto-conocimiento.

Las obras que aquí se muestras se originan en plena pandemia, visibilizando unos medios de producción condicionados por las restricciones y el confinamiento que ha desencadenado la COVID-19. Se trata de un proyecto que se articula desde una pregunta, y como tal, se ha originado y gestionado lentamente, de manera muy flexible con los tiempos, estados de ánimo y opiniones de todas las que participamos. ¿Cómo continuar?, en plena pandemia, ha resignificado aquellos trabajos en torno a unas urgencias que la COVID no ha hecho más que visibilizar, todavía más. Al mismo tiempo, esta pregunta de naturaleza reflexiva y disparadora, ha motivado reacciones que han dado pie a nuevas obras. Unas y otras, se problematizan y adquieren otros sentidos de la mano de una serie de documentos y encuentros que contribuyen a ese repensar de nuestros vínculos con los otros, con el otro, así como con las fuerzas que ha desatado nuestra especie, capaz de poner a su servicio los recursos naturales, sin atender a los ritmos circadianos que marcan nuestros ecosistemas. El constante ordenar y desordenar de las obras, se nos presenta como un gesto que crea experiencias desde los encuentros, en un intento por ir más allá de cualquier discurso formal que media y ordena un pensamiento de acuerdo a una estructura.

“Esculpir la rabia para politizar los malestares”
Encuentro en la red / 24 y 29 de septiembre a las 10h en Lima.

“La rabia es una herramienta legítima de denuncia ante las situaciones de opresión sistémica que vivimos. Un motor que activa la necesidad de narrar las desventajas y desprivilegios que nos atraviesan como parte de nuestro derecho fundamental a la movilización de los malestares como cuerpos que devenimos un acumulado histórico de negación y devaluación. Esculpir la rabia propone identificar focos de lucha inconclusos, antes de esta explosión vírica, que están anclados en nuestras experiencia encarnada que tenemos que seguir politizando al máximo para que no se disuelven en este nuevo escenario vital pandémico. ¿Cuales son los focos de las lucha reproductivas que no podemos dejar de empujar para evitar la intensificación de las explotaciones totalmente normalizadas sobre los cuerpos maternos?.

Tutelan los dos encuentros: Natalia Iguiñiz (artista plástica, docente y activista política peruana. En sus intervenciones en espacios públicos trató los temas de identidad de género, feminismo, derechos humanos y maternidad) y Luisa Fuentes Guaza (investigadora independiente sobre procesos de emancipación y desprendimiento en la práctica artística y curatorial, con especial atención a los activados desde Centro América. Además, es activista por una maternidad emancipada).

¿De dónde viene y hacia donde va el malestar?
Encuentro en la red / 7 de octubre a las 10h en Lima

La Covid-19 incrementa la brecha social y se ceba con los sectores más vulnerables. Organizamos un encuentro online para la reflexión y el análisis de la nueva cuestión social: el malestar y sus consecuentes patologías en los contextos de Argentina, España y Perú. Participan: María Ruido (Artista visual, investigadora y productora cultural en Madrid), Fernanda Laguna (artista visual, escritora, editora y curadora en Buenos Aires), y Jorge Villacorta (curador , crítico de arte con formación en genética en Lima)

Cada viernes se produce una nueva de-formación de la exposición. En línea aparecen tres o cuatro obras, que se cruzan y mezclan con otros contenidos que surgieron en conversación con las artistas.

Las obras no están fijas, se mueven para crear cortocircuitos, encuentros fortuitos, acompañamientos… esa es la intención del collage que se reformula constantemente para desestabilizar la mirada y procurar otro orden, desarticulando así cualquier estructura fija.

Misterio de Ministerias

“Este texto colectivo es resultado de una invitación realizada a poco de iniciarse la cuarentena, en abril. Escribí un correo a un grupo amplio de artistas, poetas, madres de familia, científicxs sociales, científicxs que estudian la vida no humana, arquitectxs, educadores, filósofxs, entre otrxs, para preguntarnos cómo reorganizar el estado peruano y sus ministerios, a manera de cadáver exquisito.

La proposición surgió de constatar cómo la presente situación, entre muchas cosas, nos demanda repensar el Estado, nuestra posición ante él y sus estructuras. Por mucho tiempo hemos creado, trabajado y participado de diversos tipos de activismo dándole la espalda o sin tomarlo en serio. Motivos para ello sobran en el caso peruano, pero es claro que la coyuntura actual nos llama a atender cuidadosamente las consecuencias de sus formas de ejercer y administrar la (bio y la necro) política…”

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